２７、Pokemon-GO sixty years ago ６０年前のポケモン・ゴー

I wrote this article by English first. Everybody knows my articles are very long. I thought if I wrote it in English, I needed to choice the words and I could make the article shorter. But at the result it’s wrong. It became very long. I must make it two volumes. In addition from English to Japanese my translation is no good. I found my ability of Japanese and English is quite low. I suppose it’s difficult for you, Japanese speaker or Japanese to read it. I’m sorry.

　今回の記事は、英語で最初書きました。いつもダラダラ長いと自他ともに認めているんで、英語で書けば多少は言葉を選ぶし、どうしたって日本語より手間がかかるんで、文章を短くできると考えたからです。でも甘かったです。結局、時間はかかったですが、長くなってしまって２部構成にせざるをえませんでした。そのうえ、英語から日本語に翻訳すると、変な日本語になってしまいました。英語、日本語の両方の能力の低さを思い知らされました。どちらで読まれる方も読みにくさで苦労すると思います。ごめんなさい。

　唯一のメリットは、英語を理解できる人にも直接読んでもらえることです。

Only one merit is it is read by English speaker directly.

　ヨーロッパの美術史を簡単に振り返ってみたいと思います。

I’d like to review European art history.

　ルネサンスは、二次元の平面に三次元を表現するテクニックによって始まります。ルネサンスからギュスターヴ・クールベまでこのテクニックはいっしょです。クールベが登場するまで主題は時代ごとに変わりました。それらはリアルに描かれていますが、現実（リアル）ではありません。あるものは聖書やギリシャ神話、シェークスピアなどのイラストレーションです。またあるものは美しい肖像画、静物画、風景画などです。主題はアーティストの個性よりも重要でした。彼らの絵には、リアルな表現の背後に物語があると言うことができると思います。

Renaissance began by the technic to express three dimensions on two dimensions. From Renaissance to Gustave Courbet the technic was always same. Theme was changed in each age until Courbet appeared. All of them are very realistic, but they are not real. Some of them are a kind of illustration of the Bible, Greek myth, Shakespeare, etc. Some of them are ideal beauty of portrait, still life, landscape, etc. The theme was more important than artist’s personality. I can say that their painting has some stories behind of realistic expression.

　私はクールベを最初の近代のアーティストだと考えています。彼のテクニックは新しくありません。しかし、彼はアーティストの個性が最も重要だと主張しました。彼は、彼が自身の目にしたものしか描かないと宣言しました。彼の絵の背後に物語はありません。

I think Courbet is the first artist of Modern art. His technic is not new. But he insisted that artist’s personality is the most important. He declared he would paint only what he saw. There is no story behind his painting.

　次の世代である印象主義は、現実世界がどうやって見えるのか、どうやってそれを絵画に翻訳できるかを追求しました。私は、誰もが彼らの絵を美術史上もっとも美しいものであることに同意してくれるものと思います。後期印象主義者、ゴッホ、ゴーギャン、セザンヌ、ルノワールたちは、彼らの個性を表現するために自由な色彩とタッチを獲得します。彼らは彼ら独自のテクニックを印象主義を研究することで見つけ出しました。彼らの絵画は美しいだけではなく強烈です。２０世紀初頭にはピカソが革命を起こします。彼はまったく新しいテクニックであるキュービズムを発見します。このテクニックによって誰もが二次元上に三次元を翻訳できるようになりました。キュービズム以降、アーティストはリアリスティックなイリュージョンから解放されました。彼らはキャンヴァスの上で何でもできるようになります。

The next generation Impressionists pursued how to see the real world and how to translate it into their painting. I suppose everybody agree their paintings are the most beautiful of art history. Then Post-impressionists like Van Gogh, Gauguin, Cezanne, and Renoir get freedom to express their personality by free color and free touch. They find their own technic by studying Impressionism. Their painting is not only beautiful but also strong.

At the beginning of 20th century Picasso makes a revolution. He finds a completely new technic Cubism. By this technic anybody can translate three dimensions on two dimensions. From Cubism artists become free from realistic illusion. They can do anything on a canvas.

　しかし、大きな問題があります。モナリザからカンディンスキーやモンドリアンのような抽象絵画まで、彼らの世界は疑いなく額縁の内側でした。第二次大戦後、美術の中心はパリからニューヨークに移ります。最初の大きな波は、アクション・ペインティングやフィールド・ペインティングなどを含む抽象表現主義です。ジャクソン・ポロックとモーリス・ルイスは額縁を必要としません。ポロックは床にキャンヴァスを広げます。彼は棒切れで絵の具をそこにたらします。彼は筆で描きません。彼は決して直接キャンヴァスに触れることはありません。ルイスはキャンヴァスを壁に固定します。彼は絵の具をキャンヴァスの上の方から流します。絵の具は重力にしたがって流れ落ちます。彼もまた直接キャンヴァスに触れることはありません。

But there is an important thing. From the Mona Lisa to even abstract artists like Kandinsky, Mondrian never doubt their world is inside of the frame. After World War Ⅱ the center of the art move to New York from Paris. First big wave was Abstract Expressionism including Action Painting and Field painting. Jackson Pollock and Maurice Louis don’t need a frame. Pollock put a big canvas on the floor. He drops colors on it by a stick. He didn’t paint by brush. He never touched a canvas directly. Louis put a big canvas on the wall. He spilled colors from top of the canvas. The colors fall naturally by gravity. He also never touched the canvas directly.

　なぜ彼らの絵はとても大きいのか？なぜ彼らの絵は額縁を必要としないのか？1930年代、大不況がありました。フランクリン・ルーズベルトのニューディール政策は様々な種類のアーティストを救いました。今日では考えられない話ですが・・・連邦アート・プロジェクトによってアーティストは壁画を描く仕事を得ることができました。壁画はとても大きく、また額縁を必要としません。

Why their paintings are very big? Why their paintings don’t need a frame? In the 1930’s there was the great depression. Franklin Roosevelt’s New Deal helped many kinds of artists. Now it’s an incredible story… By Federal Art Project paint artists got a job to paint wall paintings. The wall paintings were very big and they didn’t need a frame.

　なぜ彼らは筆を使わずに、キャンヴァスに触れもしないのか？ネイティヴ・アメリカンには砂絵の伝統があります。

Why they don’t use brushes and don’t touch a canvas? Native Americans have a tradition of sand paintings.

　多くの抽象表現主義の画家たちは壁画を経験し、ネイティヴ・アメリカンの芸術を研究しました。

Most of Abstract Expressionism experienced wall paintings and study Native American art.

　作品を美術館やギャラリーに展示する時、あるいは販売する時には、彼らは額縁を付けました。しかし、基本的に彼らには額縁は必要ありません。彼らの作品はとても大きい。大部分の伝統的なヨーロッパの絵は額縁に入った小さなものです。それはイリュージョンを見るための窓のようなものです。それに対してアメリカの絵画は壁の一部という感じです。それは窓ではありません。それはイリュージョンでもありません。それらの多くは抽象だからです。それらは部屋の一部になります。これはイリュージョンから現実の世界に移動する第一歩です。

To show their works on the museums and galleries, or to sell their works they put a frame. But basically they don’t need frames. Their paintings are very big. Most of traditional European paintings were small with a frame. It’s like a window to see illusion. But New American paintings are a part of wall. It’s not a window. It’s not an illusion, as most of them are abstract. They are a part of a room. It’s the first step to move from illusion to the real world.

　次の世代のポップ・アートは額縁のある絵画とイリュージョンに戻ります。しかし、彼らにとっては、絵画は社会について考えるためのシステムです。彼らにとっては絵画自体よりも思想のほうが重要になります。彼らにはイリュージョンと現実の世界との間に境はありません。これはイリュージョンから現実の世界に移動する第二歩になります。

The next generation, Pop Art gets back a painting with frame and the illusion. But for them painting is a system to think about the society. For them their thought is more important than the painting. For them there is no border between the illusion and the real world. It’s the second step to move from illusion to the real world.

　次の世代、コンセプチュアル・アートにとっては、コンセプトは王様です。石、木、金属などの様々な素材、額縁に入った絵画や写真も素材です。それらは美術館やギャラリーの白い壁の大きな部屋に、彼らの思想を表現するための要素になります。これがイリュージョンから現実の世界に移動する最終ステップになります。

For the next generation Conceptual Art their concept is the king. Stone, wood, metal and any kind of materials including painting and photograph with a frame are an element to express their thought in a big room with white wall of a museum and a gallery. It’s the last step to move from the illusion to the real world.

　私はここまで彫刻については言及しませんでした。が、状況は絵画とほとんどいっしょです。絵画には額縁があります。彫刻は抽象だとしても台座があります。彼らが台座から降りた時に、彼らにとっての現代美術が始まります。とくに抽象彫刻が台座なしに自然環境に置かれる時、それらは自然の一部のように見えるようになります。言い換えれば彼らは自然を変化させるということです。これはまさにポケモン・ゴーといっしょです。

I didn’t mention about sculpture. But it’s almost same situation as painting. Painting has a frame. Sculpture even abstract ones has a stand. When they stepped down from the stand, their contemporary art began. Especially when abstract sculpture without stand put on the nature, it seems as a part of the nature. In another word they can change the nature. It’s quite same as Pokemon-GO.

　この美術の歴史はコンピューター・ゲームの歴史とよく似ています。最初は、コンピューターは計算するための機会にすぎませんでした。それは私たちの文明を支える道具です。しかしコンピューター・ゲームが発明された時、それは現実の世界とは違う独自の世界を持つようになりました。コンピューターの世界は成長します。ついに彼らは現実の世界に現れるようになります。それがポケモン・ゴーです。あなたは最初のコンピューター・ゲームの名前をご存知ですか？「スペース・インベーダー（侵入者）」です。日本では、私たちは「インベーダー・ゲーム」と呼んでいました。

This art history is quite seems as the history of the computer game.

At the beginning the computer was only a machine to calculate. It’s a tool to support our civilization. But when the computer game was invented, it began to have own world different from real world. The computer world grows up. At last they appear in real world. It’s Pokemon-GO. Do you know the first computer game’s name? It’s “Space Invaders”. In Japan we call it “Invader Game”.

　以下は、美術の問題です。

The followings are a problem of the art.

　イリュージョンと額縁から成り立つ伝統的な絵画を読み解くことと、コンセプチュアル・アートを読み解くことは、まさに外国語のような違いがあります。伝統的な絵画が好きな普通の人たちには、チンプンカンプンだと思います。しかし、実際にはそれほど違うものではありません。私は、それはイタリア人がスペイン語を勉強することがそれほど難しいものではないといったレベルだと思います。アメリカ人が中国語や日本語を勉強するのとは違います。

To read the traditional painting with the illusion and with frame and to read Conceptual Art are completely different like a foreign language. For common people who like the traditional painting it’s all Greek. But it’s not so different. I suppose it seems that it’s not difficult for Italian people to study Spanish. It’s not that American people study Chinese or Japanese.

　いつバベルの塔は壊れたのか？

When the Tower of Babel was broken?

　それは印象主義です。

It’s Impressionism.

　印象主義は、専門家にとっても普通の人にとっても大きな成功を収めました。しかし、それをどう受け止めたかには完全な違いがありました。専門家たちは彼らの理論が受け入れられたものと考えました。普通の人たちが受け入れたのは美でした。彼らは、彼らの住んでいる世界がとても美しいものであるということに感動したのでした。彼らにとっては、専門家の理論は興味の外です。

It got a big success for the specialists and for the common people, both. But how to accept it was completely different. The specialists thought that their theory was accepted. But the common people accept the beauty. They was removed that the world they live is very beautiful. For them the specialists’ theory was out of interest.

　専門家たちは、彼らの新しい理論による新しい作品に自信を持ってしまいました。それは今日まで続いています。多くの現代美術の美術館の努力によっていくらかの普通の人たちもそれをエンジョイしているようです。

The specialists had a confidence to make their works by their new theory. It continued until today. By the effort of many contemporary museums some common people enjoy it.

　しかし、私は多くの普通の人たちは困惑しているのではないかと思います。

But I suppose more common people confuse it.

　最良なのはすべての人たちが両方をエンジョイすることです。

The best way is all common people enjoy both.

　しかし専門家たちはどうしたらいいんでしょう？これは普通の人たちよりも大きな問題です。私には現代美術の専門家たちは偏狭に見えます。その理由は単純です。彼らは、アートは発展するものだと信じているからです。彼らにとっては古いものは記録にすぎません。それらは生きてはいない。彼らにとって精神が古いアーティスト、テクニックが古いアーティストはある種のゾンビに見えるのだと思います。彼らはゾンビをとても怖がります。そこで彼らはゾンビをあたかも現代に生きていないものとして無視しようとします。私は、彼らはテクニックや精神が古い作品でも現代の美術として同じ美術館に展示をするべきだと思います。それらは流行遅れでしょう。しかし、それらは現代の美術として作られているはずです。

But how should do the specialists? It’s a bigger problem than common people’s one. I think the specialists of contemporary art are not open-minded. The reason is simple. They believe the art must be developed. For them old art is only record. They don’t live. For them the artists, whose mind is old and whose technic is old, are a kind of zombie. They are very afraid of them. So they want to ignore them just like they don’t live today. I think they should expose contemporary artists’ works that technic and mind is old in a same museum. They are old fashioned. But they make their work as a contemporary art.

　どちらが気に入るか、両方を楽しめるか、それを決めるのは普通の人です。とにかく普通の人には様々な現代美術に触れる機会が持てるようにするべきです。２年前、私は上海に行きました。上海美術館でとても大きな展覧会が開かれていました。私はタイトルをよく覚えていないのですが、「上海現代美術展2015」だったかなあ・・・出品者は上海在住のアーティストたちです。この展覧会では、私たちはもちろん現代美術は見られます。しかし、そこには書道、水墨画、社会主義リアリズム、版画なども見ることができました。

It is the common people who decide which is the favorite or both are interesting. Anyway common people can have a chance many kinds of contemporary arts.

Two years ago I went to Shanghai. There was a very big exhibition in Shanghai Art Museum. I don’ remember the title well. It might be “Shanghai Contemporary Art Exhibition 2015”. The participants were artists who live in Shanghai. In this exhibition we can see contemporary art, of course. But we can see calligraphy, Chinese ink painting, Socialism realism, printmaking, etc.

　最初、私は少々混乱しました。このような展覧会は見たことがなかったからです。しかし幸運なことに、私は様々な種類の展覧会を見てきていました。私は版画家ということで、版画の展覧会にはしばしば足を運んでいます。私は東西の伝統的な美術が好きですから、多くの国の美術館に行っています。私は書道や、ほんの少しですが水墨画の勉強をしたことがあります。今現在、私は水墨画に強い興味を持っています。そしてまた、私は現代美術家としてキャリアをスタートしたという経歴があります。私には現代美術家が言わんとしていることが理解できます。時として、それらは面白い。そう、つまり私はほとんどのジャンルを楽しめるということです。しかし通常は、それらをそれら専門の美術館やギャラリーで見ています。

At first I was very confused, as I had never seen an exhibition like this. But fortunately I have many chances to see many kinds of exhibitions. As I’m a print artist, I go print exhibition very often. As I like traditional art eastern and western both, I go museums in many countries. I studied calligraphy and a little bit Chinese ink painting. Now I’m very interested in Chinese ink painting. And my career was started as a contemporary artist. I can understand what they want to say. Sometimes some of them are interesting. So I can enjoy most of all genres. But generally I see them in each special museum or gallery.

　この展覧会の作品はなかなか良かったです。私はゆっくり歩き、それぞれの作品を見ることに集中しました。もちろん違うジャンルの作品を見る時には、頭の切り替えが必要でした。しかし、それはそれほど難しいことではありません。すべてがアートであって、スポーツでもレストランでもないですから。私たちは野球も柔道も楽しめます。和食もイタリアンも楽しめる。

In this exhibition most of works were not bad. I walked slowly and I concentrate to watch each work. Of course when I see another kind of genre, I need to change a channel of mind. But it’s not so difficult, as everything are art, not sport, not restaurant. We can enjoy Baseball and Judo. We can enjoy Japanese food and Italian.

さて・・・

Well…

　あなたは、私がここまで書いてきた内容が信じられますか？OKですか？

Do you accept what I mentioned above? Is it OK for you?

　私自身は、私が書いたことを受け入れてはいません。

I don’t accept what I said.

　私は次回のブログで、私自身の意見を展開します。少々お待ちください。もし、みなさんが私がここまで書いてきたことを熟考していただけると、私としては幸せです。

I will mention my opinion on the next blog. Wait for a while, please. If you consider what I mentioned above, I’ll be happy.